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sábado, 30 de abril de 2011

Historia del Arte.

Los primeros registros que data la historia de expresión artística fue en el periodo paleolítico (25.000-8000 a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía en cuevas, elaborando la llamada pintura rupestre años en los cuales ha sido representado de varias formas en diferentes épocas. 


Pintura prehistórica y antigua
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas que servían de abrigo a la especie humana hace (25,000 mil años), durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura siguió en el periodo neolítico.


Pinturas rupestres
Las pinturas que se conservan en las cuevas de España y del sur de Francia representan, con increíble exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas representaciones están realizadas en colores de tierra, compuestos de diferentes minerales pulverizados y mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plantas, cola de pescado, e incluso sangre; se aplicaban con pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la pared. Estas pinturas debieron cumplir un papel en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta.
Por ejemplo, en una pintura rupestre de Lascaux, (cuevas) Francia, aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros; aunque su exacto significado permanece desconocido, demuestra la presencia de una conciencia espiritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos.


Pintura prehispánica en América
Las pinturas murales de Teotihuacán y las poblaciones vecinas de Tetitla y Tepentitla expresan la visión de la creación del universo según los antiguos mesoamericanos que poblaron esa zona situada en el norte y el centro de América, entre los siglos II antes de Cristo y VII después de Cristo La descripción del viaje que emprende el alma a través de lo que en conceptos cristianos se llamaría cielo e infierno refleja la inquietud respecto a la trascendencia del ser humano que no se conforma con su existencia terrenal. Alegorías de lo más preciado como el agua, la sangre, la vida, la serenidad, están reflejadas en los frescos dedicados a Tláloc, deidad de la lluvia, y al paraíso que ofrece cada vez que se prodiga.
Además de los códices, o escenas de la vida y la historia prehispánicas plasmadas en libros pintados, sobresalen las pinturas murales de Cacaxtla, en Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán (México). En ellas quedaron plasmadas vivas escenas bélicas y ceremoniales donde resalta el dramatismo del dolor y el orgullo del triunfo. El uso de los colores como el fondo azul característico maya— y del detalle, en los innumerables giros y atributos de las vestimentas de los personajes que lucen excelsos penachos, armamentos, joyería, calzados, máscaras, sientan las bases de un pilar fundamental de la plástica americana. En un detalle de los frescos de Bonampak (785 después de Cristo) se ve a un prisionero desmayado sobre una escalinata en uno de los escorzos más logrados de la pintura antigua. Es digno de mención el hecho de que pasarían unos siglos hasta que las culturas de América tuvieran contacto con las europeas y, por tanto, se desarrollaron sin ninguna influencia extra continental.


Pintura renacentista temprana
El desarrollo de los principios de la perspectiva lineal, llevado a cabo por varios arquitectos y escultores a principios del siglo XV, permitió a los pintores conseguir, por medio de la representación bidimensional, la ilusión del espacio tridimensional. Muchos de los artistas del primer renacimiento como Paolo Uccello, Piero Della Francesca y Andrea Mantegna se valieron del empleo dramático de la perspectiva y del escorzo en su dibujo para producir la ilusión de la prolongación de un objeto o figura en el espacio. La exploración de la anatomía condujo a un mayor entendimiento de la representación de la forma humana. También se empezaba a utilizar la pintura al óleo, desafiando a la antigua supremacía del temple y del fresco. Los pintores que explotaban el potencial de la nueva técnica trabajaban superponiendo estratos de veladuras de óleo transparentes y los lienzos sustituyeron a las antiguas tablas. Algo más tarde, otros artistas, sobre todo los que trabajaban en Venecia especialmente Doménico Veneziano, Giovanni Bellini y Giorgione destacaron por los tonos cálidos de sus óleos.


Pintura del alto renacimiento
Los maestros del alto renacimiento fueron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano. Paradójicamente, Leonardo sólo dejó un puñado de obras, pues dedicó la mayor parte de su tiempo a la observación científica de los fenómenos y a los inventos técnicos. Realizaba continuos experimentos con pigmentos oleosos sobre yeso seco, y a ello se debe el deterioro de los murales que han llegado hasta nuestros días como es el caso de La última cena (1495-1497, Santa María delle Grazie, Milán). Rafael perfeccionó los anteriores descubrimientos renacentistas en materia de color y de composición, creando tipos ideales en sus representaciones de la Virgen y del Niño y en sus estudios de retratos de sus coetáneos. La Capilla Sixtina del Vaticano, en Roma, con sus frescos de la Creación y la Expulsión en la bóveda (1508-1512) y el gran mural del Juicio Final (1536-1541), dan fe del genio pictórico de Miguel ángel. Un estilo de pintura colorista alcanzó su clímax en Venecia con las obras de Tiziano, cuyos retratos denotan un profundo conocimiento de la naturaleza humana. Entre sus obras maestras se incluyen también representaciones de temas cristianos y mitológicos, así como numerosos desnudos femeninos, famosos en su género.

Pintores mas destacados de la Historia.

Aunque esta lista surge de un profundo estudio de los pintores, su contribución a la pintura occidental y al sentimiento dejado en cada una de sus grandes obras, y su influencia en artistas posteriores; somos conscientes de que la objetividad no existe en el Arte, por lo que entendemos que gran parte de los lectores no estén de acuerdo con la lista según nuestro criterio estudiado a cada uno de ellos.
Con esto no se trata de decir que los demás no han sido importantes solo que han pasado desapercibidos a través de la historia. Estos son algunos que aportaron gran parte de técnica a la pintura y el dibujo que hoy en día nos ase pensar que el arte del presente no es lo mismo con el del pasado, destacándose la era pasada por sus grandes obras       y la calidad de los pigmentos utilizados eran de origen natural. 

En primer lugar tenemos al gran famoso.

LEONARDO DA VINCI (1452-1519) – Para bien o para mal, Leonardo será conocido siempre como el autor de la más famosa pintura de todos los tiempos, la Gioconda o Mona Lisa. Pero es más que eso, mucho más. Su mirada humanista, casi científica, penetró en el arte del quattrocento y la revolucionó con su sfumetto que nadie fue capaz de imitar. Leonardo Da Vinci fue el hombre renacentista perfecto: un poco medico, un poco, artista, un poco ingeniero, un poco escitor, un poco de todo, pero todo con la genialidad que sólo él pudo alcanzar. Esta es una recopilación de sus inventos y proyectos.                                                                                                                                                         
                                                                                                                                                                    .                            LA MONA LISA                LEONARDO DA VINCI                                                                                                                                                               

PABLO PICASSO (1881-1973) – Picasso es a la historia del Arte un gigantesco terremoto de secuelas eternas. Con la posible excepción de Miguel Ángel (quien centró sus mayores esfuerzos en la escultura y la arquitectura), ningún otro artista mostró tal ambición a la hora de situar su obra dentro de la historia del Arte. Picasso creó las vanguardias. Picasso destruyó las vanguardias. Miró atrás a los grandes maestros y los superó cuando se lo propuso. Se enfrentó a toda la historia del Arte y redefinió de su propia mano la tortuosa relación entre obra y espectador.                                                                                                                                            
PABLO PICASSO                                               LA GUERNICA




                                                                                                                                                                                                                                                                                                     











VINCENT VAN GOGH (1853-1890) – Pocos nombres en la historia del Arte son hoy tan famosos como el de Van Gogh, pese al completo olvido que sufrió en vida. Su pintura, vigorosa y personal, es una de las grandes influencias a la pintura del siglo XX, especialmente al expresionismo alemán.                                                                                                           
       VINCENT VAN GOGH                              





















MIGUEL ÁNGEL (1475-1564) – Seguramente sorprenda ver al que es junto con Picasso el mayor genio artístico de todos los tiempos en una posición tan baja, pero lo cierto es que el propio Miguel Ángel se definía a sí mismo como “escultor”, e incluso su obra maestra pictórica (los frescos de la Capilla Sixtina) está realizada siguiendo criterios más escultóricos que pictóricos. Aún así, una obra maestra de tal calibre es suficiente para garantizarle un puesto de honor en la historia de la pintura.                                                                                                                                                                                                                                                       NACIMIENTO DE ADAN                                                                                         MIGUEL ÁNGEL                                                                                         






















                                  
Esperando que esta información sirva de mucho para su motivación mutua y hacer crecer ese arte que llevamos dentro de nuestro pensar y nuestra imaginación.

Técnicas de Pinturas y Dibujo.


Óleo

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolventes es la trementina. La pintura al oleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas - de llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos x demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro.


Cera

El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica que deriva del griego enkaustikos (grabar a fuego), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama encaustización) y está perfectamente descrita por vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así:Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.









Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica

Témpera

La tempera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una carga de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la Témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procesamiento que en la acuarela clásica se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Con esta técnica  Francois Boucher logró grandes obras maestras, los artistas del siglo XVII emplearon la acuarela y el Gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . Según el pintor Paúl Signac: determinados rosas violáceos de los cielos de  turner, ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache.



Acrílico

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.


Pastel


La técnica de la pintura pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar al finalizar el dibujo fijadores atomazados (spraygeneralmente se usa como el crayon o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta técnica desde el siglo XVILEONARDO da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven, Corregio Fragonard o Degas.








Temple
La pintura al tempe tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz dammar que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua. vasar también empleó en su descripción la palabra temple para la composición de aceite con barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli están realizadas con esta técnica.

Una pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que ha inventado el hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras medievales al temple de huevo están tan frescas y brillantes como cuando se pintaron. Normalmente las pinturas al temple han cambiado menos en quinientos años que cuadros al óleo en treinta.

Graffiti


Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera se le denomina Graffiti. A finales de los años 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la superficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.


Bueno estas son algunas de las técnicas mas conocidas y las  que han  evolucionado lo que es la pintura y el dibujo. Estas técnicas en algunas parte del mundo son muy casuales el ver pero por que, su gran apoyo es excepcional por la gran emoción que lleva, ya sea hacerla o tenerla. Así que os digo si les interesa alguna técnica  de las antes nombradas pues tratemos de aprender no tanto por el dinero, si no por la gran experiencia que conlleva el aser o expresar un sentimiento, y que mejor si ese sentimiento lo compartes contigo mismo y con todo el que  pudiese, ver lo creado.

Mi Pensar Sobre El Sentimiento del Dibujo y Pintura.


Bueno antes que todo les doy las gracias por visitar nuestro blog.....

Bueno empezare por decirles que el dibujo y pintura no es algo que necesitas aprender o que tengas que estudiar, aunque se diga lo contrario y si lo digo es por mi propia experiencia en este bello arte. 
Pues para mí el dibujar es lo mejor para despejar tus sentimientos, pues en cada dibujo que haces expresas lo que sientes lo que deseas lo que anhelas. He sido una persona que no digo lo que siento con palabras si no con mis pensares en el dibujo esmerándome en mis dibujos para que ellos hablaren por mí. 

Cada vez que realizo  un dibujo o pinto lo único que espero es divertirme asiéndolo pues se que lo que realizo  pueden haber  personas a quien le pase  ese sentimiento de  felicidad  al ver mi dibujo o pintura... No me considero un buen pintor ni dibujante ni deseo serlo lo único que deseo es  que mis dibujos den  una sonrisa una gran felicidad... 
En mi descubrimiento del dibujo pase por muchas etapas en las cuales he aprendido a dominar algunas técnicas de dibujo pero la verdad no es lo importante lo que realmente importa es lo que tú sientes y como le expresas por ese caso uno de mis pintores favoritos es PABLO PICASSO pues el pintaba lo que sentía de una manera que quien mira sus obras abstractas asen su imaginación y sentimiento salir del corazón.
Luego en mi pasar hubo alguien que me dio algo que me ha ayudado mucho a darme cuenta que bello es el ser humano así como es, dándome la inspiración para empezar hacer lo que son retratos de personas siendo esa persona la primera persona en tener el primer retrato que hice no muy bueno y parecido por cierto pero lo hice con AMOR pensando en ella dándole a entender que eso cerraba nuestro pacto de amor no diré el nombre de esa persona por que se podría molestar jajajajajaja.

Bueno espero esto que dije pudiese ayudarles a descubrir que el dibujo y pintura es sentimiento del corazón y  que no importa como lo hagas ni lo que hagas si lo haces con amor ya sea para ti un familiar o tu novia ese dibujo o pintura será lo más bello así que los invito a dibujar  y pintar lo que sientan y verán que no necesitan maestros no necesitan nada lo único es, que lo hagan con dedicación y el arte que llevas dentro saldrá de ti....


TE LO DICE TU AMIGO MAYNOR ALEXANDER GARCÍA FLORES...

ÁNGEL YLG                                  EL HIJO DE UN JEFE QUE TUBE.






NO SE MIRAN MUY BIEN PERO TRATARE DE SUBIR UNAS CON  MEJOR RESOLUCIÓN....  

Sentimientos que Quedan al Terminar una Obra..

Hola amigos voy a compartir con ustedes lo que es expresarse atravez de un medio artístico, como lo es el dibujo y la pintura, que en lo personal son dos grandes pasiones que utilizo para echar andar mi imaginación ya que cuando doy inicio a crear una gran obra, la verdad no sé cómo va quedar solo está en mi mente pero a la hora de plasmarlo en una hoja de papel o en un lienzo empieza lo que, yo podría denominar como algo verdaderamente fuera de lo común ; ¿se preguntaran por qué? Bueno es que al estar enfocado en mi obra me desconecto totalmente del mundo que me rodea y es como si estuviera en otra dimensión en la cual me encuentro frente a frente con mi obra y es como si ella me retara a crear algo verdaderamente sorprendente
Usando la imaginación, habilidades y destrezas después solo me dejo llevar y empiezo a crear  y aplicar las técnicas que le darán a mi obra realce, relieve, realismo, impresionismo y perspectiva.
La mejor recompensa siempre se encuentra al final, como lo es el finalizado de la obra que deja una gran satisfacción y un sentimiento inexplicable por que ni tú mismo crees que es algo hecho por ti, lo miras y lo miras y sonríes y dices como lo hice. Bueno la respuesta está en ti mismo, cuando algo te gusta todo lo que sale es arte... no lo dejes ir, sácale el máximo provecho y busca la verdadera satisfacción, con solo usar tu imaginación y un poco de sentimiento hacia
Lo que quieres hacer.
Solo te digo...¡¡¡¡¡ INTÉNTALO ¡¡¡¡¡¡¡¡    


Cada vez que hago una obra siempre se aprenden  nuevas técnicas....
Por : David Armando Marquina